9月18日，上海纽约大学当代艺术中心（上纽ICA）秋季展览"生力 II"正式开展。展览汇集七位中国当代艺术家的绘画作品，邀请观众从观看本身出发，重新思考我们如何理解一幅画，以及绘画的价值如何在观看、讨论与相遇之中生成。

展览的布展方式值得先说：它既像艺博会的展位，又似博物馆的研习室。在上纽ICA地下一层的一间展厅，观众们围绕着一幅高1.9米、宽2.8米的布面油画展开思考和探讨——这是傅斯特创作的《大冒险》。与寻常的艺术展不同，作品没有任何标注，也没有任何介绍。观众只是纯粹地欣赏和观察，甚至连作品名称都不了解。

"我在这里看到了羽毛。""我看到了达利和毕加索的影子。""我感觉它画出了一种雕塑的感觉。""我观察到它没有任何直线条。"在认真感受、思索之后，来自学校、周边社区、艺术界等不同领域的观众围绕作品畅所欲言。

上纽ICA馆长兼策展人玄莲昊（Michelle Yeonho Hyun）给出了这次"去标签"的理由："我们活在一个图像泛滥的时代，但很多时候，我们并没有真正花时间、认认真真去看一件作品。"她特意提到，观众总是迫不及待地去读标签、看艺术馆提前写好的解说，急着弄懂作品的含义，却不肯先沉下心好好观察作品本身。

布展设计的意图由此清晰：一幅绘画可以拥有多重身份——它可以是一件艺术作品、一件文化遗存，也可以作为教学素材、收藏标的，甚至被视作金融资产。策展团队关心的是，这些不同维度的价值如何共存，当我们直面画作本身，能否生出一些无法简单用市场价值衡量的意义。

展览标题取自艺术史学者伊莎贝尔·格劳（Isabelle Graw）提出的绘画"生命力的幻想"概念，即人们投射在绘画作品之上的种种想象。参展的七位艺术家均出生于20世纪80和90年代，作品以抽象、非具象绘画为主，既有锐利的几何观念绘画，也不乏偏重直觉表达的创作。玄莲昊表示，抽象绘画不会给出唯一标准答案，恰恰是这份开放性，为观众留下了生成自身解读的空间。

本次展览也是上纽ICA为期两年的全新艺术研究项目"继承的时差"（2026—2028年）之开篇，旨在探讨我们从过去继承了什么，又该如何看待这些"遗产"。

SEEEEART 观察：把标签撤掉，是一场成本很低但风险很高的策展实验。它的成败取决于观众是否愿意在缺乏提示的情况下停留足够长的时间。从现场反馈看，这个赌注大体成立——"过去我们都是听别人介绍一幅画，但这次我们可以仔细观察、表达自己的感受，这种感受很不一样。"